Der Poet Guillaume Apollinaire bezeichnete diese Plätze als metaphysische Landschaften. Ein etwas problematischer Begriff: Die Metaphysik fragt danach, was hinter der greifbaren, physischen Welt liegt, nach den "ersten Gründen" und "letzten Fragen", für die in der abendländischen Tradition die Theologie immer Antworten parat hatte. Letzte Fragen will De Chirico nicht beantworten. Aber etwas bleibt ungreifbar auf seinen Plätzen – wie ein Geheimnis hinter den Dingen. Dem Maler gefiel der Begriff. Er sprach von da an auch selbst von metaphysischer Malerei.

In der Provinzstadt Ferrara – ein Schock nach Paris – war De Chirico ganz auf sich selbst zurückgeworfen. Hier entstanden seine Interieurs mit Gliederpuppen, Winkeln und Dreiecken: eine in sich geschlossene Welt, aus der nur gemalte Blicke nach draußen führen. In Ferrara begegnete er Carlo Carrà, dem ehemaligen Futuristen, der von dem Versuch, Bewegung im Bild festzuhalten, abgekommen war und stattdessen nach einer plastischen Körperlichkeit suchte. Angeregt von den Kubisten hatten die Futuristen versucht, Bewegungsabläufe im Bild festzuhalten, indem sie Körper und Gegenstände in viele Facetten zerstückelten. Um die Zeitschrift "Valori plastici", die De Chirico und Carrà außerhalb Italiens bekannt gemacht hat, sammelte sich die Gegenbewegung. Giorgio Morandi, der am stärksten diese Richtung verkörpert, malte bevorzugt klar umrissene Vasen und Gefäße.

Am Ende seiner fünf Jahre in Ferrara hatte De Chirico seine erste große Einzelausstellung in Rom, die zu einem Reinfall wurde. Von der Kritik verrissen, konnte er nur das Bild seiner Verlobten verkaufen, das er freilich nur ausgestellt hatte, um zu beweisen, dass er auch "richtig" malen könne. Weil auf diese Weise keine Existenz zu gründen war, kam ihm dann auch noch die Verlobte abhanden.

Heftig schimpfte er auf die Kritiker – um noch im selben Jahr vor Gemälden Tizians eine Offenbarung zu erfahren. Gegenüber den alten Meistern sei alle moderne Malerei wertlos, behauptete er nun. Während so unterschiedliche Künstler wie Max Ernst und George Grosz in Deutschland De Chirico entdeckten, während die Surrealisten in Paris ihn zu ihrem großen Vorläufer erklärten, ging der Künstler selbst zu seinem bisherigen Schaffen immer mehr auf Distanz. Ab 1930 schließlich produzierte er nur noch barocke Schinken und schreckte auch nicht davor zurück, sich selbst in Ritterrüstung oder in einem Kostüm des 17. Jahrhunderts darzustellen.

Dass vor allem Max Ernst und George Grosz geradezu eine De-Chirico-Phase durchlebt haben, bevor sie zu ihrer eigenen Kunst fanden, ist nun keinesfalls neu. Auch nicht, dass die Surrealisten ihn zu ihrem Vorbild erkoren. Schon bei Schlemmer ergibt sich der Kontakt allerdings nicht direkt, sondern über Carlo Carrá, der seinerseits kräftig bei De Chirico abgekupfert hat. Den Zusammenhang mit der Neuen Sachlichkeit wiederum, den die Ausstellung postuliert, lässt sich nur über Giorgio Morandi herstellen, der zwar ebenfalls zum Kreis der "Valori Plastici" gehört, aber mit der Rätselhaftigkeit der metaphysischen Malerei nichts am Hut hat.

Aber was ist damit besagt, wenn Maler aller Couleur einzelne Motive – Gliederpuppen, ein isoliertes Auge, gemalte Gemälde – übernehmen? Die Frage ist doch, was sie damit sagen wollten. Hier zeigt sich allerdings, dass der lustvolle Spott, den Ernst in der Lithografieserie "Fiat Modes Pereat ars" ("Es werde die Mode, die Kunst vergehe") betreibt, mit der Melancholie, die aus den Bildern De Chiricos spricht, ebenso wenig zu tun hat wie die beißende Sozialkritik von George Grosz, der den Menschen als mechanische Holzpuppe in eine feindliche Großstadt-Umgebung stellt.

Sehnsucht nach der Welt der klassischen Kunst

War De Chirico überhaupt ein moderner Maler? Ja und nein. Seine Bilder stellen eben die Frage nach dem Standort der Kunst – im ganz klassischen Sinne – in der modernen Welt. Sein Vater war Eisenbahningenieur, stammte aus einer Familie sizilianischer Barone. Als er 1905 starb, war De Chirico 17 Jahre alt. Seine Mutter, eine Opernsängerin, ließ die beiden Söhne von München über Mailand und Florenz bis Paris nie aus den Augen. Der Maler sehnte sich zurück nach dem Vater, nach seiner Kindheit, nach einem Italien, in dem er nie aufgewachsen war. Und nach der Welt der klassischen Kunst.

Danach fragen seine gemalten Gipsköpfe und Denkmäler, seine italienischen Plätze, die Fabrik mit den vielen Linealen und Winkelmaßen: Wo ist der Platz der Kunst in einer durch und durch vermessenen, rationalen Welt? Der Maler hat darauf im Lauf seines langen Lebens verschiedene Antworten gegeben. Ein Avantgardist, der das Alte umstürzen will wie die Futuristen, ist er allerdings nie gewesen. "Die Melancholie der Abreise" heißt ein berühmtes Gemälde aus der Londoner Tate Gallery, das nun in Stuttgart zu sehen ist.

Info:

Bis 3. Juli 2016, Öffnungszeiten Di–So 10–18 Uhr, Do bis 20 Uhr kann <link http: www.dechirico-staatsgalerie.de external-link-new-window>die Ausstellung in der Staatsgalerie besucht werden.

Vom 21.–23. April veranstaltet die Staatsgalerie ein <link http: www.dechirico-staatsgalerie.de news symposium.html external-link-new-window>Symposium zu den Selbstwiederholungen De Chiricos und anderer Künstler. Am 21. April, um 18.30 Uhr, eröffnet der Kurator der Ausstellung, Paolo Baldacci, das Symposium mit einem Vortrag.